Quand nos corps se touchent

La chanson prend naissance en 1973. Le Canadien Dan Hill, alors éperdument amoureux d'une jeune femme nommée Moira, écrit quelques vers dans l'espoir de la séduire et de lui prouver son amour. C'est ainsi que les paroles de "Sometimes When We Touch" sont jetées sur le papier. Malheureusement pour lui, Moira préfère s'envoler pour les États-Unis afin de rejoindre un joueur de football américain, laissant la chanson au fond d'un tiroir.

En 1976, tout bascule lorsqu'il rencontre le compositeur Barry Mann : en quelques heures, ce dernier habille le texte d'une mélodie qui propulsera le titre vers un immense succès. Pourtant, le chemin n'a pas été de tout repos : face à cette vulnérabilité assumée, les détracteurs de Dan Hill n'hésitent pas à le surnommer « le pleurnichard », une époque où la virilité masculine se devaient d'être inflexible.

Très vite, le morceau franchit les frontières et inspire d'autres artistes. Il n'est d'ailleurs pas étonnant de retrouver une première adaptation francophone au Québec dès 1979 : Ginette Reno l'adapte sur son album Je ne suis qu'une chanson sous le titre évocateur "Quand nos corps se touchent". La même année, Demis Roussos en propose une version plus impérative intitulée "Tu n'as pas le droit", qu'il popularisera à travers toute l'Europe en diverses langues.

Aujourd'hui encore, les déclinaisons de ce classique ne manquent pas : de la puissance incandescente de Tina Turner à la délicatesse ouatée de Susan Wong, les sensibilités se croisent et se réinventent. À vous de choisir votre préférée !

1977 Dan Hill – Sometimes When We Touch

Egérie confidentielle du Glam Rock

Dans la machine musicale qui nous permet de voyager dans the temps, je vous propose un retour dans la première moitié des années 70. Plus précisément en 1973 : nous sommes en pleine période glam rock et la chanteuse Cherrie Vangelder-Smith apparaît sur le 45 tours Silverboy. Sur la pochette, elle surgit avec un look typique de l'époque et arbore des atouts commerciaux imparables.

Comme son nom ne l'indique pas, elle est issue de la scène pop hollandaise. Après avoir été chanteuse dans divers groupes locaux, elle tente une carrière solo et publie une poignée de 45 tours. Son titre le plus connu reste Goodbye (Guitar Man), qui ressemble d'ailleurs furieusement à ce Silverboy.

Par la suite, sa tentative de retour insipide du début des années 80 précipitera sa retombée dans l'anonymat. Redevenue Hetty Smit, elle restera très à l'écart de la vie publique jusqu'à son décès survenu en octobre 2023, juste avant ses 74 ans.

Mais qui a bien pu adapter ce morceau de glam rock en français ? Devinez… ou lisez la suite !

1973 Cherrie Vangelder-Smith – Silverboy

La rumeur : Vivre au présent

Composé en 1966 par Norman Whitfield et Barrett Strong, le titre "I Heard It Through the Grapevine" est l'un des plus grands classiques du catalogue Motown. Proposé initialement à Smokey Robinson & The Miracles, le morceau est d'abord rejeté par Berry Gordy, le patron du label, qui le jugeait en manque de punch commercial.

L'expression « through the grapevine » signifie « par la rumeur ». Elle remonte à la guerre de Sécession américaine : les lignes télégraphiques de l'armée, tendues à la hâte d'un arbre à l'autre, ressemblaient à des treilles de vignes (grapevines). Les messages interceptés ou déformés par ce réseau improvisé ont ainsi popularisé l'idée d'une rumeur peu fiable.

Convaincu du potentiel de sa chanson, Norman Whitfield tente l'année suivante un nouvel enregistrement avec Marvin Gaye. Une fois de plus, Berry Gordy y pose son veto. Déterminé à faire triompher son morceau, le producteur propose alors une version au rythme soul plus soutenu à Gladys Knight & The Pips. Sortie en septembre 1967, cette mouture devient un immense succès, atteignant la 2ᵉ place du Billboard Hot 100.

Portée par cet engouement, la version originale de Marvin Gaye est finalement incluse dans son album In the Groove (1968). Les DJs radio qui la passent en boucle, force Berry Gordy à la sortir enfin en single en octobre 1968. Le résultat est phénoménal : le titre reste n°1 pendant 7 semaines consécutives aux États-Unis et devient le single le plus vendu de l'histoire de Motown, jusqu'à la sortie de "I'll Be There" des Jackson 5 en 1970.

En 1970, le groupe Creedence Clearwater Revival proposent une relecture rock emblématique de 11 minutes sur l'album Cosmo's Factory.
C'est cette interprétation qui inspirera le groupe français Triangle pour une adaptation en 1971 intitulée "Vivre au présent". Restée dans les cartons pendant des décennies, cette version française est finalement exhumée en 1997 par le label Magic Records à l'occasion de la sortie de l'intégrale du groupe. Son texte s'éloigne toutefois radicalement du sens des paroles originales.

1971 Triangle – Vivre au présent

la Salsa d'Halloween

Profitant de cette fête... que je déteste, je vous propose une sélection façon « On connaît la chanson » spéciale Halloween. C'est toujours mieux que d'être dans le tumulte, la désolation et parfois la violence !

Ce volume vous embarque pour un voyage au pays des versions atypiques de morceaux cultes : tantôt classieuses, tantôt horribilis... C'est halloween tout de même !
J'espère simplement que quelques-unes d'entre elles trouveront refuge dans vos têtes.

Pour les autres... évitez de sortir, verrouillez vos portes, mettez de l'ail dans vos oreilles et mangez des courges !

Travailler ? Pas trop et moins souvent.

Encore auréolé du succès retentissant de son film et de la mythique bande originale de The Harder They Come (1972), Jimmy Cliff publie dès l'année suivante Unlimited. Un opus éminemment personnel, entièrement écrit et produit par ses soins. Parmi celui-ci figure le titre "Under The Sun, Moon And Stars". 

Derrière ses arrangements lumineux et son rythme festif, le propos est loin d'être anodin. Jimmy Cliff y égratigne sans détour le dogme religieux traditionnel qui promet la paix et le salut uniquement après la mort :

« Mes ancêtres ont travaillé du lever au coucher du soleil, la paix n'a pas été trouvée et ils sont sous terre... Ça ne m'arrivera pas, je le veux ici sur Terre ! »

Une telle philosophie, teintée d'hédonisme et de révolte existentielle, ne pouvait laisser Antoine indifférent. En 1975, l'interprète des Élucubrations s'empare naturellement du morceau et en signe l'adaptation française sous le titre "Sous Le Soleil Du Bon Dieu". 

Vous trouverez en bonus la version d'un ersatz de Boney M. : Family Affair

Nul doute que les âmes bien-pensantes de l'époque ont dû grincer des dents à l'écoute de ces paroles irrévérencieuses...

1975 Antoine – Sous Le Soleil Du Bon Dieu

L'air que je respire

Si la chanson « The Air That I Breathe » a été composée en 1972 par Albert Hammond et Mike Hazlewood, elle ne rencontre le succès qu’en 1974 grâce aux Hollies. Leur version atteint la 2ᵉ place des charts britanniques en février 1974 et se hisse à la 6ᵉ place du Billboard Hot 100 aux États-Unis, devenant l'un des plus grands tubes mondiaux du groupe.

Enregistré aux mythiques studios Abbey Road, le titre est réalisé par l'ingénieur du son Alan Parsons (qui venait alors de signer le son de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd). Les paroles offrent une déclaration d'amour épurée où le chanteur renonce aux artifices du monde moderne pour ne garder que l'essentiel. Clin d'œil ironique : la métaphore de « l'air que je respire » aurait été inspirée à l'auteur par le smog (cette pollution jaunâtre) qui recouvrait Los Angeles à l'époque ! Quoi qu'il en soit, dès sa sortie, Eric Clapton aurait déclaré que la toute première note de guitare contenait « plus d'âme que tout ce qu'il avait entendu jusqu'alors ».

Le succès est tel qu'il existe aujourd'hui plusieurs dizaines de reprises. Le morceau a tant marqué l'inconscient collectif que le célèbre titre « Creep » de Radiohead en reprend la progression d'accords. Vous trouverez ci-dessous une petite sélection de ces réinterprétations.

En France, l'adaptation « Comme si » par le duo Shuky & Aviva est parue en 45 tours au cours de l'année 1976. Un morceau symbolique qui marque, sur le plan professionnel comme personnel, le début de leur séparation.

1976 Shuky & Aviva – Comme si

Pauvre Type

Il y a des adaptations fort simples à découvrir. C'est le cas de celle du jour : Jeanne Bonjour s'approprie en 2023 le hit "Creep" de Radiohead. Encore faut-il tendre l'oreille pour en découvrir les paroles adaptées en français. Je rajouterai un grand merci à Jeanne pour cette adaptation qui nous offre le plaisir de réécouter un superbe titre.

Sorti en 1992, ce morceau phare possède une histoire complexe, à l'image de son thème : la haine de soi, l'obsession amoureuse et le sentiment d'inadéquation sociale. Nous pouvons d'ailleurs traduire "Creep" par "Pauvre Type". En studio, le guitariste Jonny Greenwood trouvait le titre trop mièvre. Pour manifester son agacement juste avant le refrain, il a frappé violemment ses cordes étouffées avec de la distorsion. Les producteurs ont adoré cette décharge sonore : elle est devenue la signature mythique du morceau.

Mais face à ce succès fulgurant qui étouffait leurs autres créations, les membres de Radiohead ont fini par prendre "Creep" en grippe. Thom Yorke l'a même rebaptisée "Crap" (c'est-à-dire saloperie), et le groupe a refusé de la jouer sur scène pendant près de dix ans.
Accusé de plagiat par les auteurs du morceau "The Air That I Breathe" (1972). Attaqué en justice par Albert Hammond et Mike Hazlewood, Radiohead a dû concéder un accord : les deux musiciens sont désormais crédités comme coauteurs et perçoivent une part des droits d'auteur.

Trente ans plus tard, Jeanne Bonjour fait le pari de dépoussiérer ce classique : elle en conserve la mélancolie tout en lui injectant un rythme plus pop et lumineux. À travers cette sélection, vous découvrirez comment cet hymne grunge a su s'adapter à divers univers musicaux.

Avant le prochain épisode The Air That I Breathe... place à la musique !

2023 Jeanne Bonjour – Creep

On Connait la Chanson (Vol 22)

Les fortes chaleurs de l'été s'éloignent enfin pour laisser place aux premières fraîcheurs de l'automne. Face à une actualité souvent morose, la musique reste notre plus bel abri : quoi de mieux que le jazz et la chaleur des instruments acoustiques pour se requinquer ? Au programme de ce nouveau volume de On Connaît la Chanson : du jazz décalé, du blues et des hits métamorphosés...

De quoi attaquer la saison avec le sourire et une belle énergie.

Je tente une nouvelle présentation pour ce volume 22, qu'en pensez vous ? pratique ou pas ?

Les Petites Souris... Vertes

Séduit dès la sortie en 1968 de « Little Green Apples » par la simplicité du morceau, Frank Sinatra l'enregistre immédiatement sur son album Cycles et l'interprète dans ses émissions de télévision, l'élevant au rang de standard américain. Quelques mois auparavant, Roger Miller avait été le premier à chanter cette composition de Bobby Russell. Mais c'est la version d'O.C. Smith, venu du jazz et de la soul, qui fait exploser le morceau à l'international (n° 2 des classements Pop et R&B, disque d'or). En s'écartant de la country traditionnelle, ce mélange country-soul représentait une vraie prise de risque pour l'époque.

 Vous retrouverez ici quelques magnifiques voix au service de ces mots d'amour simples, directement inspirés de la routine quotidienne.

Évidemment, la France ne pouvait pas passer à côté d'un tel succès américain. En 1969, Pierre Delanoë tente de poser des mots français sur la mélodie en effaçant toutes les références à la culture US. Intitulée « Les Petites Souris », l'adaptation peine à convaincre et s'empêtre un peu dans son titre ; ce n'est pas la voix de Claude François qui parviendra à faire décoller le morceau.

L'année suivante, Sacha Distel s'essaie à son tour sur ces mots légèrement retouchés par Delanoë, et le titre devient « Si ce n'est pas de l'amour ». En 1970 au Canada, Marie-France Aquin chante « Rien de plus facile », toujours sur le texte de Delanoë. C'est peut-être l'adaptation francophone la plus aboutie, même si je ne peux malheureusement pas vous proposer ce disque aujourd'hui.

Enfin, je ne résiste pas au plaisir de vous partager la version espagnole de Julio Iglesias enregistrée en 1970 : « Pequeñas Manzanas Verdes ».

En espérant que vous trouviez la version qui vous plaît à travers ces différentes voix et époques !

1969 Claude François – Les petites souris

Pourquoi ?

Pourquoi, je mets les petites souris entre parenthèses ? pour vous présenter une chanson de « la Fille aux yeux d'or »,... c'est plus agréable que des mitraillettes par les temps qui courent !

En 1979 sort l'album Moi je voyage, sur lequel figure notamment son tube de 1977, "Il a neigé sur Yesterday". Cependant, c'est sur un autre titre que je souhaite m'arrêter : "Pourquoi", une chanson passée quelque peu inaperçue à l'époque. Sa musique a été composée par Ivano Fossati, sur des paroles françaises de Pierre Grosz. C'est précisément la période au cours de laquelle Fossati partage la vie de Mia Martini. En fouillant dans la discographie de « Mimì », je suis tombé(e) sur la chanson "Vola", sortie en 1978.

Cette période est particulièrement complexe pour Mia Martini. Sa relation avec Fossati est d'une intensité dévorante. Fossati produit et écrit pour elle, mais sa jalousie et son exigence artistique l'amènent à vouloir contrôler ses choix de carrière. Il lui interdit parfois de collaborer avec d'autres auteurs, ce qui crée d'immenses tensions et provoque la rupture de la chanteuse avec sa maison de disques, Dischi Ricordi. De plus, à cette époque, la voix de Mia Martini change à jamais. Atteinte de nodules aux cordes vocales, elle doit subir deux opérations chirurgicales délicates en peu de temps. À la suite de cette épreuve, elle perd son registre aigu et cristallin des débuts pour acquérir un timbre rauque, voilé et profondément poignant qui deviendra sa nouvelle signature vocale.

"Vola" ou "Pourquoi" sont deux magnifiques interprétations portées par deux icônes de la chanson, à écouter ou réécouter sans hésiter...

1979 Marie Laforêt – Pourquoi

Un destin tragique

Au vu des statistiques précédentes, ce n'est pas la présentation de cette chanson qui fera monter les vues du site ! J'ai mis en attente quelques « petites souris » pour vous proposer "J'ai trop besoin de toi" de Georges Ulmer. En 2024, un lecteur anonyme en avait fait la demande. Or, tout récemment, je suis tombé sur ce disque… J'espère qu'il se reconnaîtra !

Georges Ulmer est d'origine danoise, mais il s'est si bien assimilé qu'il est devenu l'un des symboles sonores du Paris de l'après-guerre. Il a d'ailleurs été décoré à la fin de sa vie de l'Ordre du Dannebrog par la reine du Danemark. Comme beaucoup de chanteurs de sa génération face à l'essor du rock 'n' roll et du R&B, il a adapté plusieurs tubes anglophones pour le marché francophone, comme celui-ci.

 "What Am I Living For" à l'origine, est une chanson de Chuck Willis. Dans cette ballade sentimentale, le chanteur exprime sa dévotion absolue, affirmant que sa vie n'a aucun sens sans la personne qu'il aime.

Le morceau sort au début de l'année 1958 en face A d'un single dont la face B s'intitule… "Hang Up My Rock and Roll Shoes" (« Raccrocher mes chaussures de rock 'n' roll »). Le 10 avril 1958, alors que le disque commence à monter dans les classements, Chuck Willis meurt subitement d'une péritonite à l'âge de 31 ans. L'association de ces deux titres — l'un s'interrogeant sur le sens de la vie et l'autre annonçant la fin de sa carrière — prend une tournure prophétique qui bouleverse le public et propulse le morceau à la première place des classements R&B de façon posthume.

Ce nouveau rythme en inspirera bien d'autres au début des années 1960, à l'image du célèbre "When a Man Loves a Woman"de Percy Sledge. Ce morceau est également l'occasion d'écouter quelques voix que j'apprécie particulièrement : Conway Twitty, Wanda Jackson, Solomon Burke, Sleepy La Beef, Van Morrison…

Je vous laisse les découvrir ou les redécouvrir.

1960 Georges Ulmer – J'ai trop besoin de toi

Je m'en remets à vous

Attardons-nous encore quelques instants sur l'année 1974. Dans la plus pure variété internationale, apparaît sur les ondes un titre du duo Donny & Marie Osmond : « I'm Leaving It Up To You ». Le succès de cette bluette aiguise les appétits : ainsi, la même année, Claude François adapte ce titre qui devient « Il ne me reste qu'à partir », tout aussi... variété ! (et je suis sympa).

Pourtant, à l'écoute de ce morceau, nous pouvons remarquer un rythme plus ancien. La chanson a été composée en 1957 et interprétée à l'origine par Don & Dewey. À noter que Don Harris est plus connu sous le pseudonyme de « Sugarcane » Harris : c'est lui qui joue le fameux violon électrique survitaminé sur l'album Hot Rats (1969) de Frank Zappa, ainsi qu'avec John Mayall !

Un autre duo parviendra à se hisser au sommet des charts : il s'agit de Dale & Grace en 1963. Lorsque le duo décroche la 1ʳᵉ place du Billboard Hot 100 à la fin novembre 1963, ils font partie de la tournée Caravan of Stars de Dick Clark. Le 22 novembre 1963, jour de l'assassinat du président John F. Kennedy, ils se trouvent à Dallas ! Depuis la fenêtre de leur hôtel, ils ont salué le cortège présidentiel quelques minutes seulement avant les coups de feu tragiques.

Le concert prévu le soir même à Dallas a évidemment été annulé.

En France, ce titre est adapté par Joële Gilles sous le nom de « Ti Pi Di Pi Dip ». Malheureusement, je ne possède pas ce disque ! Il faut dire que la belle n'a sorti que trois EP entre 1964 et 1965.

En 1968, Géraldine sort une nouvelle adaptation du titre : « Une fleur, un oiseau ». Il faudra attendre que la fleur se fane et l'arrivée de l'enfant pour que cela soit un succès...

Délicieusement kitsch, ce morceau sera tout de même repris au fil du temps par Tom Jones en 1997 ou encore par The Mavericks en 2019.

1968 Géraldine – Une fleur, un oiseau

Je m'en vais sans vous (Hommage à Dolly)

Je vais rendre hommage à l'une des reines de la country en vous proposant l'un de ses titres mythiques : « I Will Always Love You ».

La chanson est enregistrée pour une première fois en 1974. Contrairement aux idées reçues, ce texte n'est pas né d'une rupture amoureuse. Dolly Parton l'écrit pour annoncer son départ professionnel à son partenaire de longue date et mentor, Porter Wagoner. C'est une déclaration d'indépendance empreinte d'un profond respect.

La version de Linda Ronstadt, l'année suivante est moins connue du grand public aujourd'hui, mais j'aime bien son interprétation douce et légèrement rock.

Évidemment, la reprise de Whitney Houston enregistrée pour le film The Bodyguard en 1992 transforme la ballade intime de Dolly en une performance vocale R&B monumentale. C'est cette version qui a propulsé le titre au sommet des charts à travers le monde. La petite histoire raconte que c'est Kevin Costner lui-même qui a suggéré cette chanson à Whitney, après avoir découvert la version de Linda Ronstadt. C'est lui aussi qui a insisté pour garder la célèbre introduction a cappella, malgré les hésitations des producteurs qui craignaient que les radios ne la diffusent pas. La légende dit même que Dolly Parton a failli avoir un accident de voiture sous le choc la première fois qu'elle a entendu la voix de Whitney chanter son morceau à la radio !

Depuis 1992, la chanson a été interprétée sous tous les tempos. Je vous laisse donc découvrir les versions de Pam Hall, du Axel Boys Quartet ou encore celle des Scary Pockets.

Bien sûr, la version de Dick Rivers sortie en 1978, « Je m'en vais sans vous », est la seule que je connaisse en langue française. Elle colle parfaitement au répertoire de Dick et se veut la suite logique de « Faire un pont ».

Dolly Parton nous a quittés, mais en écrivant ce titre, elle restera toujours dans nos cœurs.

1974 Dolly Parton – I Will Always Love You

Tout le monde obtient des rencards, sauf moi !

Ce mois d'août touche à sa fin, et les vacances avec ! Le moral est peut-être un peu en berne à l'approche de la rentrée.

Afin de vous redonner le sourire et de renouer avec l'esprit du blog, je vous propose de (re)découvrir le titre "Everybody's Got A Date But Me" de Gene Vincent, paru en 1960. Cela poursuit mon hommage aux pionniers du rock'n'roll.

Son adaptation française de l'année suivante, intitulée "Fou d'elle", ravivera certainement quelques souvenirs à ceux qui ont connu les débuts de Claude Moine (Eddy Mitchell) et de ses compères des Chaussettes Noires.

Quant à la reprise enregistrée en 1980 par les Alligators, elle est très sympa et offre une sonorité rockabilly délicieusement plus moderne. Pour la petite histoire, le chanteur de cette formation, Alain Chennevière, troquera son blouson de cuir une dizaine d'années plus tard pour fonder le célèbre groupe a cappella Pow Wow, rendu incontournable par le tube "Le Chat". Un bel écart musical !

1961 Les Chaussettes Noires - Fou d'elle

Hommage aux Pionniers

Le mois d'août a pointé le bout de son nez, marquant officiellement le début de la pause estivale sur le blog. Pour accompagner vos vacances, j'ai pris énormément de plaisir à réaliser un projet un peu spécial : un album de 14 titres en hommage aux véritables pionniers du rock et à leurs morceaux mythiques.

N'ayant toujours pas la prétention d'être un expert en composition musicale, j'ai choisi de me faire épauler par l'IA pour donner vie à ces morceaux. Alors, il est vrai qu'elle a encore ses petits défauts en matière de création. Je n'ai pas toujours été en phase avec ses choix orchestraux, et croyez-moi, la machine peut s'avérer sacrément têtue !

Malgré ces petits bras de fer virtuels, le résultat final de ce CD me semble vraiment cohérent et fidèle à l'énergie de cette époque dorée. Vous pardonnerez sans doute à notre chanteur Chris Rock de faire parfois un peu de yaourt sur quelques mots, cela fait finalement partie du charme de l'expérience !

J'espère que vous prendrez autant de plaisir à écouter ces 14 compositions que j'en ai eu à les assembler.

Bel été et bonne écoute à tous !
Vous retrouverez facilement les artistes auxquels les chansons font hommage, alors n'hésitez pas à me dire en commentaire quel est votre morceau préféré de l'album !