Hommage aux Pionniers

Le mois d'août a pointé le bout de son nez, marquant officiellement le début de la pause estivale sur le blog. Pour accompagner vos vacances, j'ai pris énormément de plaisir à réaliser un projet un peu spécial : un album de 14 titres en hommage aux véritables pionniers du rock et à leurs morceaux mythiques.

N'ayant toujours pas la prétention d'être un expert en composition musicale, j'ai choisi de me faire épauler par l'IA pour donner vie à ces morceaux. Alors, il est vrai qu'elle a encore ses petits défauts en matière de création. Je n'ai pas toujours été en phase avec ses choix orchestraux, et croyez-moi, la machine peut s'avérer sacrément têtue !

Malgré ces petits bras de fer virtuels, le résultat final de ce CD me semble vraiment cohérent et fidèle à l'énergie de cette époque dorée. Vous pardonnerez sans doute à notre chanteur Chris Rock de faire parfois un peu de yaourt sur quelques mots, cela fait finalement partie du charme de l'expérience !

J'espère que vous prendrez autant de plaisir à écouter ces 14 compositions que j'en ai eu à les assembler.

Bel été et bonne écoute à tous !
Vous retrouverez facilement les artistes auxquels les chansons font hommage, alors n'hésitez pas à me dire en commentaire quel est votre morceau préféré de l'album !

Comptine et Gros Sous

Déterrons une pépite de nos armoires à 45t ! Sorti en 1973, sort "Va Donc Voir Là-Bas Si J'Y Suis" de Marcel Zanini et son bob. À la première écoute, les amateurs de disco reconnaîtront immédiatement le thème mondialement connu du "Brown Girl in the Ring" de Boney M., sorti ... cinq ans plus tard en 1978 !

Mais d'où vient véritablement cet air entêtant ?

En creusant l'histoire du morceau, on découvre qu'il s'agit à l'origine d'une chanson enfantine traditionnelle des Caraïbes, vraisemblablement née en Jamaïque. Les enfants la chantaient lors d'un jeu de ronde : une fillette venait se placer au centre du cercle formé par ses camarades pour y exécuter une danse au rythme des instructions chantées par le groupe.

Comment cette comptine antillaise est-elle arrivée jusqu'à Marcel Zanini en 1973 ? 

Il faut remonter un an plus tôt, en 1972, lorsque l'artiste bahaméen Exuma (de son vrai nom Macfarlane Gregory Anthony Mackey) enregistre sa propre version de la chanson. Connu pour son style habité et ses influences spirituelles, Exuma est alors souvent comparé à Dr. John ou associé au vaudou. L'intéressé réfutait pourtant l'étiquette de sorcellerie, affirmant que son univers s'inspirait avant tout des rites de guérison de l'Obeah — une tradition spirituelle et médicinale afro-caribéenne. C'est très probablement cette interprétation habitée d'Exuma qui a soufflé à Zanini l'idée de son adaptation française.

Derrière l'innocence de la comptine se cache une guerre de droits d'auteur féroce. Frank Farian, le producteur de Boney M., s'est attribué les crédits des arrangements. Cependant, l'un des arrangeurs Peter Herbolzheimer et la chanteuse Liz Mitchell — qui avait déjà enregistré cette même chanson en 1975 avec le groupe Malcolm's Locks — ont contesté cette attribution. Cela a donné lieu à un procès marathon qui s'est étalé sur plus de deux décennies en Allemagne. Malheureusement je ne possède pas cette version.

La chanson de la vie

En ce début des années 70, Paul Anka a mûri. Il délaisse les amourettes de jeunesse pour des textes plus introspectifs et philosophiques sur l'existence. En 1972, les paroles de "Life Song" s’ouvrent sur une mise en situation très intime :

"Last night in bed, I dreamt I was dead. I woke up and started to cry, I didn't want to die..."
(Hier soir au lit, j'ai rêvé que j'étais mort. Je me suis réveillé et j'ai commencé à pleurer, je ne voulais pas mourir...)

C'est une chanson construite comme une prise de conscience fulgurante après un cauchemar. Puisque la vie continue sans nous après notre mort, il faut vivre chaque minute à fond, profiter de sa famille et de ses proches.

Ce titre a une résonance toute particulière pour moi. Suite à un pépin de santé au début de l'année 2023, une relation professionnelle a débarqué à mon bureau la semaine dernière et m'a lancé une remarque pour le moins maladroite : "Ravi de constater que tu es encore vivant...". Au-delà de cette indélicatesse — D'autres furent plus douloureuses —, le choix de partager cette chanson aujourd'hui m'est apparu comme une évidence.

L'histoire de ce morceau ne s'arrête pas là. Dès 1978, Régine, avec le concours de la plume d'Eddy Marnay, chante "Seule dans un lit". Le thème de cette adaptation est un peu plus léger que l'original, offrant un costume sur mesure pour Régine qui a toujours joué sur cette dualité : l'ambianceuse festive des boîtes de nuit qui, une fois les projecteurs éteints, se retrouve face à elle-même.

L'année suivante, en 1979, Mireille Mathieu sort un album entièrement produit par Paul Anka, dans lequel elle adapte à son tour cette chanson avec de nouvelles paroles d'Eddy Marnay : "Parle à la vie". Pour la promotion de cet album Paul Anka s'est déplacé à Paris. Les deux stars ont multiplié les plateaux de télévision, notamment chez Michel Drucker, pour chanter leurs deux duos en live : Toi et moi et Comme avant. Les photographes s'en sont donné à cœur joie, immortalisant le crooner américain et la demoiselle d'Avignon attablés aux terrasses des cafés parisiens pour symboliser ces duos.

Pour ma part, je préfère l'adaptation de Régine : la voix y est plus énergique et l'orchestration bien plus recherchée.

1979 Mireille Mathieu – Parle à la vie

Tu m'oublies

En 1982, le réalisateur Costa-Gavras sort son nouveau film "Missing". Le film plonge le spectateur dans l'horreur de la dictature militaire au Chili (bien que le contexte évoque plus largement les junte sud-américaines). L'histoire, intime et déchirante, suit la disparition d'un jeune journaliste américain (interprété par John Shea). Sa femme, campée par Sissy Spacek, et son beau-père, joué par le magistral Jack Lemmon, vont remuer ciel et terre pour découvrir une vérité que tout le monde cherche à étouffer.

Si ce film a marqué l'histoire du cinéma engagé, on se souvient parfois un peu moins de sa bande originale. Pourtant, elle est signée par le grand Vangelis, et sa mélodie principale a même été interprétée par le groupe culte The Shadows.

Deux ans plus tard, en 1984, le parolier de génie Tim Rice (à qui l'on doit Evita) pose des mots sur la musique de Vangelis. C'est la diva britannique Elaine Paige qui prête sa voix à cette version vocale.

En France, il aura fallu patienter deux ans de plus, en 1986, pour voir le morceau débarquer sur nos ondes. Et pour interpréter une œuvre de Vangelis en français, qui d'autre que son amie de longue date, Nana Mouskouri ?

Avec sa voix cristalline et toute la mélancolie nécessaire, elle s'approprie le titre qui devient chez nous "Tu m'oublies".

1986 Nana Mouskouri – Tu m'oublies

Libérez le peuple

En cette année 1970, nous retrouvons le mythique duo Delaney & Bonnie avec le titre "Free the People". Entourés de leur célèbre bande d'amis, ils sortent cette chanson avant même la version de son autrice, la chanteuse Barbara Keith. Delaney & Bonnie étaient tellement respectés par leurs pairs que des géants comme Eric Clapton, George Harrison ou Jimi Hendrix ont tous, à un moment donné, endossé le rôle de faire-valoir de luxe au sein de leur groupe. Clapton a d'ailleurs souvent répété que Delaney & Bonnie était tout simplement « le meilleur groupe au monde » à cette période. Sur ce morceau, c'est le légendaire Jim Keltner (qui jouera plus tard avec John Lennon, Bob Dylan et les Traveling Wilburys) que l'on retrouve derrière la batterie.

Dans les années qui suivirent, cette superbe composition fut sublimée par les voix de Barbra Streisand, Jackie DeShannon, Melanie... et bien sûr de Barbara Keith elle-même.

Quant à la version française, elle est interprétée par Nicoletta sous le titre "Ouvre ton cœur". Malheureusement, cette adaptation paraît bien fade face aux interprétations anglo-saxonnes précédentes. L'orchestration s'éloigne grandement de l'original — qui lorgne subtilement vers le gospel et le rhythm & blues sudiste — pour glisser vers une variété française typique de l'époque, agrémentée d'un solo de trompette digne de Jean-Claude Borelly.

« Je n'ai jamais vu la lumière Briller depuis les livres de lois, Et je n'ai jamais vu un juge Capable de juger le cœur des fous. » ... « Libérez le peuple, laissez-le courir vers le soleil, vers le matin. Libérez le peuple, laissez le chercher le livre de sa propre conscience. »

1977 Nicoletta – Ouvre ton cœur

Tina, Al Bano & Romina : Destins croisés en 1968

Je constate qu'à ce jour, je ne vous ai proposé aucun titre d'Allegria Banon, plus connue sous le nom de Tina. Originaire de Casablanca, elle y fut surnommée « Malika » par le roi Mohammed V (ce qui signifie « reine » en arabe). En 1963, alors qu'elle n'a que 11 ans, elle est remarquée par Lee Hallyday.

Cependant, la chanson que je vous propose aujourd'hui n'est pas issue de cette première période, mais a été enregistrée bien plus tard, après ses études. En 1968, elle sort un EP comprenant le titre "S'il le fallait". Sa voix a mûri et possède désormais la force d'une autre célèbre Tina. C'est d'ailleurs sous ce seul prénom que sortiront ses nouvelles productions.

Pour ce morceau, elle adapte le titre d'un jeune Italien qui a moins d'une dizaine de 45 tours à son actif, et qui vient de publier son premier album en 1967. C'est sur ce dernier que l'on trouve la chanson "L'oro del mondo".

En Italie, le succès du titre est tel qu'il donne naissance dès l'année suivante, en 1968, à un film musical éponyme. Le scénario du film est calqué sur les thématiques de la chanson : un jeune homme modeste, interprété par Al Bano, tente de sauver la femme qu'il aime des griffes d'un riche rival qui menace de ruiner sa famille. Mais le plus important reste que ce tournage marque la première rencontre d'Al Bano avec Romina Power. C'est le point de départ de leur idylle et de leur future collaboration artistique, qui fera d'eux l'un des duos les plus célèbres de la musique pop européenne des années 70 et 80.

1968 Tina – S'il le fallait

Le parfum de l'été

Le début des années 80 marque un tournant pour le Brésil. Alors que le pays sort péniblement des années de dictature militaire, une icône rousse, Rita Lee, lâche une bombe musicale : "Lança Perfume".

C’est un véritable cri de ralliement pour la liberté sexuelle et festive. Le titre lui-même est une provocation : le lança-perfume était à l'origine un solvant à base d’éther, vaporisé durant le carnaval de Rio pour ses vertus euphorisantes avant d'être interdit. Cette ivresse chimique infuse chaque mot du texte, notamment le célèbre : « Me vira de ponta-cabeça / Me faz de gato e sapato » (Retourne-moi la tête / Fais de moi ce que tu veux).

Face à ce raz-de-marée rythmique, Henri Salvador ose une adaptation, toujours à l’affût pour reconquérir son public en ce début de décennie. Le titre devient "Question de choix" en 1981.

Mais attention, Salvador ne traduit pas, il adapte. Là où Rita Lee célébrait l'abandon des sens et l'extase, Henri préfère explorer les méandres de l’indécision amoureuse. Le refrain délaisse la sueur du carnaval pour le feutré du dilemme : « C'est une question de choix / On ne sait jamais par où commencer ».

Si l'élégance de Salvador et sa capacité à « franciser » la chaleur brésilienne forcent le respect, le cœur du morceau semble rester de l'autre côté de l'Atlantique. Entre la retenue d'un dilemme sentimental et l'ivresse brute d'un soir de fête à Rio, mon cœur ne balance pas : je choisis sans hésiter la folie libératrice de Rita Lee.

Et vous, plutôt réflexion ou déraison ?

Bonne écoute !

1981 Henri Salvador – Question de choix

En Courant... après un bonheur ephemère.

En 1975, le public découvre sur grand écran le film Mahogany, réalisé par Berry Gordy, le célèbre patron de la Motown. En vedette, on retrouve Diana Ross dans le rôle de Tracy Chambers, une jeune femme issue des quartiers pauvres de Chicago qui devient un mannequin et une styliste de haute couture adulée à Rome, avant de réaliser qu'elle s'est perdue en chemin. Le thème musical du film, "Do You Know Where You're Going To", fait directement écho au dilemme de l'héroïne : « Sais-tu où tu vas ? Aimes-tu ce que la vie te montre ? »

Pourtant, contrairement aux idées reçues, Diana Ross n'est pas la première à avoir posé sa voix sur ce titre. La chanson a été initialement enregistrée en 1973 par Thelma Houston (sans aucun lien de parenté avec Whitney). Cette première version, une ballade pop, passe alors totalement inaperçue. À tel point que le titre n'apparaît sur aucun album à l'époque ; il faudra d'ailleurs attendre 2005 et une réédition pour les 30 ans de l'album contenant « Don't Leave Me This Way » pour enfin la découvrir. C'est le compositeur Michael Masser qui décidera de retravailler l'arrangement pour lui donner le souffle symphonique qu'on lui connaît aujourd'hui.

Nommé pour l'Oscar de la meilleure chanson originale en 1976, le titre fait sensation lors de la cérémonie : Diana Ross l'interprète en direct via un écran géant depuis Amsterdam, où elle est alors en tournée. En coulisses, l'ambiance est pourtant électrique. Le compositeur Michael Masser et le parolier Gerry Goffin se disputent juste avant l'événement, Masser refusant que Goffin l'accompagne car il s'attribue le mérite principal du morceau. Ils resteront fâchés des années durant. Si la chanson rate l'Oscar, elle n'en devient pas moins un immense tube mondial, ouvrant la voie à une multitude de reprises, comme vous le découvrirez ci-dessous.

Parmi elles, la France n'est pas en reste. En 1976, la chanteuse Nicole Rieu est sous les projecteurs après avoir décroché la 4e place à l'Eurovision l'année précédente avec le culte "Et bonjour à toi l'artiste". Elle s'approprie le thème de Mahogany grâce à une superbe adaptation signée Pierre Delanoë, intitulée "En courant". Là où la version américaine narre les pièges de la gloire, la déclinaison française prend la forme d'une confidence intime. Elle s'adresse à un amant qui s'étourdit dans le mouvement et passe à côté de l'essentiel : « En courant après le bonheur, / Après le soleil, après le vent d'ailleurs, / Tu vas casser ton cœur... »

Bonne écoute.

PS : dommage ce film ne semble pas disponible en VF !

1975 Diana Ross – Do You Know Where You're Going To (Theme from Mahogany)

Un voyage sans retour.

Une fois de plus, nous plongeons au cœur des racines de la musique folk, avec une mélodie qui voyage de tragédie en tragédie, changeant de contexte à chaque escale.

À l'origine "The Ship That Never Returned" est une complainte victorienne classique : un jeune homme prend la mer pour sauver la fortune de sa mère, lui promettant de revenir. Hélas, il ne reviendra jamais. À l'époque, cette chanson fut un immense succès de salon. Elle jouait sur la peur réelle et constante des naufrages, une thématique qui garantissait de faire pleurer dans les chaumières. Je vous propose une version plus moderne par les Hawking Brothers parue en 1975.

Dans les années 1920, la mélodie quitte l'océan pour les rails sous le titre "The Wreck of the Old 97". Elle relate une catastrophe réelle survenue le 27 septembre 1903 en Virginie : le train postal "Old 97", en retard, dérailla dans un ravin alors que son mécanicien tentait de rattraper le temps perdu. Ce titre devint l’un des premiers "méga-hits" de la musique country. Son succès fut tel qu'il déclencha une bataille juridique monumentale sur les droits d'auteur, plusieurs personnes revendiquant la paternité des paroles. Ce disque prouva que la musique "Hillbilly" pouvait rapporter des centaines de milliers de dollars. Johnny Cash interprètera une version du titre en 1957.

Enfin, avec "M.T.A.", la mélodie devient culte pour la génération folk. Écrite par Bess Lomax et Jacqueline Steiner, elle raconte l'histoire de Charlie, un passager coincé dans le métro de Boston (la MTA) car il lui manque les 5 cents nécessaires pour payer la nouvelle "taxe de sortie". À l'origine, il s'agissait d'une chanson de campagne pour Walter A. O'Brien, un candidat progressiste à la mairie de Boston qui luttait contre l'augmentation des tarifs. Le Kingston Trio reprend le titre en 1959, mais doit en modifier les paroles : pour éviter la censure radio en pleine période de maccarthysme (O'Brien étant lié à la gauche radicale), ils gomment le nom du politicien.

Une question subsiste pourtant depuis 1959 : « Si sa femme peut lui donner un sandwich chaque jour à travers la vitre, pourquoi ne lui donne-t-elle pas simplement les 5 cents pour sortir ? ». 

Est-ce qu'Eileen nous apportera la réponse en 1964 avec son adaptation "Le métro de Boston" ? À vous de le découvrir...

1975 The Hawking Brothers – The Ship That Never Returned

Ballade Irlandaise, Ecossaise ou Folk ?

De l'Écosse à Renaud : l'incroyable voyage de "La Ballade nord-irlandaise".

Voici un nouvel article qui devrait ravir les fans de Renaud : je m'attaque aujourd'hui à l'une de ses chansons qui m'échappait jusqu'alors et qui prolonge mon escapade Irlandaise. Je vous propose de nous plonger dans l'histoire fascinante de "La Ballade nord-irlandaise".

Tout commence au cœur de l'Écosse. En effet, la version la plus ancienne de ce récit remonte aux années 1600. À l'origine, elle s'intitule "Waly, Waly", une exclamation écossaise archaïque exprimant la déception, l'équivalent de notre « Hélas ! ». Cette complainte est souvent liée à une ballade plus longue, « Jamie Douglas », qui relate l'histoire vraie d'un divorce tragique en 1681, suite à de fausses accusations d'infidélité.

Au milieu du XXe siècle, Tom Glazer offre à la chanson les bases d'un véritable hymne folk en la transformant en "The Water Is Wide". Cette version, devenue un standard, sera popularisée par des figures légendaires telles que Pete Seeger, le Kingston Trio, Joan Baez ou encore Bob Dylan.

Pourtant, l'histoire ne s'arrête pas là. La mélodie subit une mutation profonde en devenant un chant nationaliste irlandais. Sous le titre "The Dying Rebel", elle raconte les derniers instants d'un rebelle mourant lors de l'Insurrection de Pâques 1916, à Dublin. La complainte amoureuse devient alors un cri de résistance.

Parallèlement, la thématique de la fragilité de l'amour continue d'inspirer les artistes, notamment Marianne Faithfull avec sa version intitulée "Cockleshells" (Coquilles de noix). Les paroles y sont poignantes : « Dois-je rester enchaînée tandis que tu es libre, dois-je aimer un homme qui ne m'aime pas ? ». Les coquillages symbolisent ici la vulnérabilité des sentiments. Probablement inspiré de sa propre histoire, elle divorce en 1966 de son premier époux pour vivre sa relation avec Mick Jagger.

Si la version de Renaud reste gravée dans nos mémoires, c'est parce qu'il a su s'approprier cette mélodie séculaire pour en faire un plaidoyer humaniste. Renaud écrit ses propres paroles pour dénoncer la violence en Irlande du Nord. Plus récemment, Nolwenn Leroy a également repris ce thème en 2014 dans l'album La Bande à Renaud.

Mais saviez-vous que bien avant lui, dès 1966, Graeme Allwright chantait déjà cette mélodie sous le titre "La mer est immense" ?

En bateau pour quelques extraits...

1991 Renaud – La Ballade Nord-Irlandaise

Lady...

En 1980, Lionel Richie termine l'écriture d'une chanson dans les toilettes du studio Concorde Recording Center. Il lui manque encore toutes les paroles du second couplet alors que Kenny Rogers l'attend déjà derrière le micro ! Une fois le texte achevé, Kenny peut enfin enregistrer ce qui deviendra son plus grand tube planétaire : Lady. C'est le premier titre des années 80 à figurer simultanément dans quatre classements majeurs du Billboard. En France, le morceau met plus de temps à s'imposer. Au printemps 1981, il n'atteint que la 33e place, mais parvient à se maintenir plus de 15 semaines dans le Top 100 des ventes.

Mireille Mathieu, qui a renoué avec le succès grâce à "Une femme amoureuse" l'année précédente, tente une nouvelle fois sa chance avec les adaptations. En 1981, c'est pourtant le titre "Promets-moi" qui est choisi pour sortir en 45 tours. Il faut écouter son album jusqu'au bout pour découvrir "L'Autre". Grâce à cette chanson, l'artiste profite une nouvelle fois de la vitrine médiatique des Carpentier en ce début d'années 80. Contrairement à la version originale, où le chanteur déclare son amour à sa "Lady", l'adaptation de Mireille Mathieu est plus mélancolique : elle y évoque une rivale, cette "autre" femme qui prend sa place dans le cœur de l'être aimé.

Le succès colossal de cette chanson, conjugué à celui d'"Endless Love" (son duo avec Diana Ross l'année suivante), précipitera le départ de Lionel Richie et mettra un terme à sa collaboration avec les Commodores. Ce n'est qu'en 1998 que Richie enregistrera sa propre version de "Lady" sur l'album Time. Enfin, en 1982 au Canada, le chanteur Patrick Norman choisira la simplicité en adaptant le titre sous le nom... de "Lady", conservant ainsi l'esprit du refrain original pour le public québécois.

A toutes les "Lady" ...

1980 Kenny Rogers – Lady

D.I.V.O.R.C.E

Après le mariage d'Antoine avec des doutes, malheureusement il faut envisager le "D-I-V-O-R-C-E"...

La chanson "D-I-V-O-R-C-E", sortie en 1968, est l'un des piliers de la musique country et le titre emblématique de Tammy Wynette. L'idée centrale du morceau repose sur une pratique universelle : épeler les mots devant les enfants pour leur cacher la réalité d'une conversation d'adultes. Une mère y explique que son mariage s'effondre ; elle épelle des termes comme T-O-Y (jouet) ou S-U-R-P-R-I-S-E pour préserver le bonheur de son fils de quatre ans, avant de finir par les mots cruels qu'elle ne peut plus dissimuler : D-I-V-O-R-C-E, C-U-S-T-O-D-Y (garde) et H-E-double L (l'enfer). À l'époque, le mot « Hell » était encore jugé trop vulgaire pour être prononcé tel quel de manière répétée à la radio.

Mais savez-vous que ce classique a succédé à une version nettement plus optimiste ? Le compositeur Bobby Braddock avait initialement imaginé une chanson où les lettres épelées formaient "I L-O-V-E Y-O-U". Selon les auteurs, cette mouture sonnait toutefois comme une publicité pour du savon. C'est le coauteur Curly Putman qui suggéra de transformer la mélodie du refrain pour la rendre plus pesante et mélancolique.

Bien que Tammy Wynette n'ait pas écrit le texte, sa propre vie a conféré au titre une authenticité poignante. Au moment de l'enregistrement, l'artiste avait déjà divorcé deux fois. Elle finira par se marier cinq fois au total, notamment avec la star George Jones — une union passionnelle et destructrice qui se soldera, elle aussi, par un divorce en 1975.

En France, une première adaptation voit le jour en 1976. Il s'agit en réalité de la reprise d'une parodie de l'humoriste écossais Billy Connolly, sortie l'année précédente, où les mots étaient épelés non pas pour un enfant, mais pour un chien. Si la version de Connolly fut numéro 1 au Royaume-Uni, Claude François en livra une adaptation française quelque peu indigeste intitulée "Les mots secrets". Force est de constater que l'humour britannique s'exporte parfois difficilement !

Il fallut patienter encore quelques années pour retrouver la gravité du thème original. En 1995, sur son magnifique album À nos beaux jours, Michèle Torr interprète "Divorce".

Cette chanson est devenue, dans la voix triste de nombreux et nombreuses interprètes vivant la même situation, leur ultime cri d'amour.

PS: j'ai volontairement omis les versions Québécoises de Mona et Michele Richard que je ne possède pas.

1976 Claude François – Les mots secrets

Le Mariage selon Antoine

Gilbert O'Sullivan incarne à merveille l'insouciance et le charme du début des années 70. Sa chanson "Matrimony", sortie fin 1971, s’inscrit pour nous, francophones, typiquement dans ce registre léger. Pourtant, contrairement à ce que son rythme enjoué laisse présumer, le texte raconte les déboires d'un couple pressé de gagner l'église pour se marier, tout en réalisant qu'ils sont sans le sou et que la cérémonie s'annonce chaotique. Avec sa coupe au bol, sa casquette d'inspiration 1900 et son piano de style "bastringue", Gilbert O'Sullivan cultive une allure singulière qui confère au morceau son caractère bondissant.

Le contraste est frappant avec l'artiste qui l'adapte en français ! Antoine conserve en effet sa chevelure longue et son style hippie lorsqu'il interprète "Avant de dire oui" en 1972. Les paroles françaises, signées Boris Bergman, respectent le thème du mariage mais mettent l'accent sur l'hésitation et l'effervescence du moment fatidique.

Paradoxalement, cette chanson est devenue un standard incontournable des sorties d'église et des vins d'honneur durant les années 70. Si, dans les deux versions, le choix peut paraître légèrement ironique — voire d'un goût douteux au vu du texte — force est de constater que, comme le veut l'adage : « là où il y a de la gêne, il n'y a pas de plaisir ! »

1972 Antoine – Avant de dire oui

Un grand Bruit venu de l'Illinois !

A la fin des années 30, Bob Haggart et Ray Bauduc, piliers du célèbre orchestre Bob Crosby's Bobcats, composent le mythique "Big Noise from Winnetka". Pendant plus de vingt ans, ce standard de jazz reste une prouesse purement instrumentale, célèbre pour son duo contrebasse et batterie.

Le destin du morceau bascule au début des années 60 quand la France s'en empare. Le parolier Pierre Saka décide de poser des mots sur cette mélodie bondissante. C'est d’abord Eddy Mitchell qui l'intègre à son répertoire sous le titre "Quand une fille me plaît". Quelques semaines plus tard, Nancy Holloway lui répond avec une version féminisée pleine de pep's : "Quand un garçon me plaît".

Amusé ou inspiré par ce succès européen, Bob Crosby finit par composer une version chantée en 1968, restée pourtant très confidentielle à l'époque. Il faudra attendre 1979 pour que la fantasque Bette Midler ne sorte le titre de la naphtaline pour le graver sur les sillons d'un 33 tours en pleine période Disco. L'année suivante il apparait sur la BO du Film "Divine Madness".

Contre toute attente, c'est en France que ce "Grand Bruit" venu de l'Illinois aura trouvé ses lettres de noblesse et son plus large public !

1963 Eddy Mitchell - Quand une fille me plaît

Le Boss reste le Boss

"Won't Get Fooled Again" est un hymne des Who qui a une histoire singulière. Contrairement à ce que l'on pourrait croire, ce n'est pas un appel à la révolution, mais plutôt une mise en garde contre celle-ci. 1971 marque la fin du mouvement hippie et le début du désenchantement avec le départ de Janis Joplin, Jim Morrison, Jimi Hendrix, la séparation des Beatles, mais aussi avec les meurtres de Sharon Tate commandités par Charles Manson. C'est justement ce qui donne sa force au titre : c'est le bilan amer de l'échec des utopies des années 60.

La chanson devait être le point culminant de "Lifehouse", l'opéra-rock avorté de Pete Townshend. Townshend a écrit ce titre après avoir observé les mouvements contestataires de la fin des années 60. Son message est clair : "Renverser un dictateur pour le remplacer par un nouveau qui fera la même chose ne sert à rien." D'où la phrase : “Meet the new boss, same as the old boss.”

C'est l'un des premiers morceaux de rock à intégrer le synthétiseur au sein de l'orchestration. Pete Townshend a programmé celui-ci pour qu'il suive un rythme spécifique, sur lequel le groupe devait jouer en direct. Keith Moon s'éclate à la batterie ! même s'il était connu pour son jeu imprévisible, il devait rester parfaitement calé sur la machine.

Si le titre a marqué l'histoire du rock, il a trouvé une seconde vie inattendue en devenant le générique de la série "Les Experts : Miami", associée au geste iconique d'Horatio Caine mettant ses lunettes de soleil.

Il n'est pas étonnant de retrouver une adaptation du titre dans la discographie de Louis Bertignac, fan absolu des Who et de Pete Townshend. Sa version, intitulée "Ma Gueule", est sortie en 2018 sur l'album Origines. Il a fait le choix de supprimer le synthétiseur pour garder l'esprit pur du rock.

2018 Louis Bertignac – Ma gueule